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奥门新萄京网址:文化不能只追逐利益,提升彼

信心与希望,在异彩纷呈之后——从“华彩欧罗巴”管窥中外戏剧交融

时间:2013年02月06日来源:《中国艺术报》作者:寇云暮

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《敌人,一个爱情故事》剧照 王雨晨 摄

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《理查三世》剧照 王雨晨 摄

  中国国家话剧院多年来通过举办国际戏剧季,即每届以一个既定主题邀请国内外优秀院团上演相关剧目,让观众领略到更为多元的演出,也使得中外戏剧人能够共聚一堂,交流彼此的创作与感想,分享世界戏剧文化的丰富资源。继以契诃夫、易卜生、莎士比亚等剧作大师为主题,还有以亚洲剧团为邀请对象的“华彩亚细亚”主题之后,这次以“华彩欧罗巴”作为主题,邀请到来自法国、德国、丹麦、俄罗斯、以色列等6个国家的9台剧目亮相国内舞台,为观众们献上了一道丰盛的“戏剧大餐”。

  情理中的意外之选

  由中俄两国戏剧人联手打造的话剧《图兰朵》,作为戏剧季的开幕大戏,此前在喀山首演时就曾获得强烈反响。来自中国的导演马政红,此前有过多年戏剧交流的经验,更是为数不多的能运用汉语、俄语、英语、西班牙语4种语言排戏的导演。她第一次受到国内戏剧界的广泛关注,还要追溯到2006年时上演的奥斯特洛夫斯基的五幕喜剧《狼与羊》。这一回应喀山国家剧院的邀请排演《图兰朵》,难度不小。因为自1922年瓦赫塔可夫在莫斯科上演了《图兰朵》,该剧的演出已经成为俄罗斯戏剧史上的一个里程碑。不过,对于能够指导鞑靼演员去演绎具有东方神秘色彩的故事,这样的合作让她欣然接受了挑战。导演将剧中图兰朵公主的生活背景转到中国,并借鉴了大量杂技表演、武术刀枪对练、舞龙舞狮等中国传统元素,特别是观众熟悉的“今夜无人入睡”等场面将戏曲舞台的假定性原则运用其中,产生了意想不到的奇妙效果。当然,相比中国戏曲的博大精深,鞑靼演员的借鉴和模仿还略显稚嫩,甚至有些滑稽,但这不失为一种大胆的尝试。

  华彩中的朴实之作

  与首届国际戏剧季中以色列卡梅尔剧院带来的《安魂曲》一样,来自同一国度的盖舍尔剧院的《敌人,一个爱情故事》在华首演即赢得了戏剧业内人士和观众的特殊好评。该剧讲述了一位在二战大屠杀中幸存的犹太人赫尔曼,虽然移居纽约并阴错阳差地“拥有”了3位妻子,但战争带给他内心的创伤却无法抹去,最终使他沦为了社会和自身人格的牺牲品。

  在演出之后,中国国家话剧院副院长王晓鹰作为促成该剧在中国上演的推动者,表达了对我国缺少表现灾难和灾后重建中人民生活作品的遗憾,他说:“这部戏能将如此强烈复杂的内心体验表达出来,已经远远超越了‘真实’二字的意义,这的确值得我们反思。”

  除去震撼人心的表演和文本,该剧舞台设计与表演的完美结合更令观众拍案叫绝,也让国内戏剧工作者受益匪浅。6块木板通过不同的组合变化,将演员的表演区域从大的镜框式舞台分割成若干大小不等、长短各异的小舞台。场景之间的运转穿插,木板之间的遮挡闭合既保证了故事叙述的流畅,又将以主人公赫尔曼为代表的那一代经历过残酷战争屠杀的个体生命的破碎状态表现得淋漓尽致。

  具有类似简洁舞美呈现的还有来自德国黑森州威斯巴登国家剧院的《沃伊采克》,4位主演极富表现力的演绎使得毕希纳这部未完成的作品即便在空旷的舞台上,也将小人物的悲哀与无奈,大人物的滑稽与无知清晰无误地呈现给了观众,让在场的每一个人都认识到了沃伊采克走向犯罪道路背后的深层社会原因。

  法国的戏剧人也为观众带来了4部剧目。其中《打造蓝色/远离阿贡当市》和《笑面人》均由中国国家话剧院与法国艺术家共同创作。前者由冯宪珍、韩童生两位中国演员与来自法国的编剧兼导演让-保罗·温泽尔合作,在同一个房间内演绎出两代人在不同时代背景下对于退休生活的苦闷与不适。《笑面人》则是为纪念其小说作者维克多·雨果而特别创作的,剧本改编兼导演雅米娜·阿什米带领中国演员,将这部作品原汁原味地呈现在舞台之上。在昏暗的灯光与深蓝的幕布之间,观众能够感受到这部作品中蕴含的神秘诡异的异域风情。

  除《打造蓝色/远离阿贡当市》之外,让-保罗·温泽尔还带来了他的另一部导演作品——《如影随行》。虽然在黑匣子中两侧观众席的布局在国内已屡见不鲜,但演员的肢体表达特别是编剧对“背负”一词的多角度诠释仍深深感染了观众。

  戏剧季中最先与观众见面的法国艾维吉尔舞团的舞剧《暮之花》与随后丹麦欧德塞国际音乐剧院(无边界剧团)的音乐剧《水手之谜》更是在某种程度上超越了语言的障碍。前者通过6位年过半百的女性舞蹈家的肢体演绎为观众诠释了美人迟暮的韵味,后者则通过摇滚、爵士、福音音乐等众多音乐风格的混搭给古诗《古舟子咏》披上了充满现代感的时尚外衣。这些剧目开阔了国内戏剧观众的眼界,也为国际戏剧季增添了几抹亮色。

  另外,王晓鹰应英国莎士比亚环球剧院邀请而特别创作的,充满中国元素的莎翁作品《理查三世》,作为“华彩欧罗巴”的收官之作再度与观众见面。作品在伦敦演出时,英国《卫报》就曾评论:导演对于理查心理残疾而非身体残疾的诠释,让他追求安夫人的一场戏“首次具有了古怪的说服力”,其中采用的中国戏曲元素更是让英国观众看得如醉如痴。

  “华彩欧罗巴”虽已落下帷幕,而中外戏剧人的思考与交流却从未停止。大家对于戏剧本质的认知与探索,对于艺术市场的开拓与实践,让各国的戏剧人受益匪浅。随着中外间的戏剧交流与合作日益密切,现在已不再是单一地邀请外国院团来访演出,而是越来越多地实现了中外艺术家同台演绎或邀请外国幕后团队为中方演员执导作品,这无疑对不同戏剧传统和观念的碰撞与交融提供了更为广阔的天地。

  

孟京辉版《四川好人》颇受期待

摘要:不能说“流量”现象的存在是不合理的,但是,我们不能只有这些东西。

2015年8月,演员在北京国话剧场排练中文版《战马》。据悉, 2018年,中英将在北京联合制作《纽伦堡的名歌手》。

手提“行李箱”,以色列戏剧组团再度来华

时间:2013年03月20日来源:《中国艺术报》作者:王雨晨

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《手提箱包装工》剧照 寇云暮 摄

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《唐璜》剧照 寇云暮 摄

  持续至本月31日的“2013首都剧场精品剧目邀请展演”将刚刚离开中国不久的以色列卡梅尔剧院和盖谢尔剧院重新集结,分别演出另一部该团的经典保留剧目:卡梅尔剧院选择了哈诺奇·列文的作品《手提箱包装工》,盖谢尔剧院则选择了法国古典主义喜剧大师莫里哀的代表作《唐璜》。今年春天的以色列戏剧邀请展演使得春节后的戏剧淡季变得富有生机,也为今年全年的戏剧生活开了一个好头。

  去年8月,以色列卡梅尔剧院在国家大剧院演出了哈诺奇·列文改编自契诃夫小说的经典剧目《安魂曲》,这是该团在过去近十年来第三度受邀来京演出此剧。无独有偶,去年10月在国话举办的第五届国际戏剧季“华彩欧罗巴”中,以色列盖谢尔剧院反映美国犹太人二战后心灵创伤的《敌人,一个爱情故事》一剧受到了京城戏剧人的称道。自此之后,两家以色列剧团几乎成为外国优秀戏剧品质保证的代表,其剧目中演员非生活化、自然主义的表演,舞美简洁流畅富有想象力的呈现,剧本对于社会、人生、情感的反省,配以希伯来语音韵律中独有的魅力征服了中国观众。

  平淡无奇的羁旅人生

  首先与京城观众见面的是《手提箱包装工》(又译《旅人》),首演于1983年,被认为是哈诺奇·列文早期喜剧的代表作,此次来京上演的是该团2011年的复排版本。或许是出于对原版的敬意,复排导演乌迪·本·摩西在舞美上几乎沿用了与原版同样的布景道具及舞台调度:空旷的舞台,反复交叉的人群,可移动的小阳台……相比《安魂曲》一望无垠、直通天际的斜坡,由演员扮演的充满想象力的木屋、老树、孤雁和瘦马,充满宗教元素吟咏的音乐,《手提箱包装工》虽然也聚焦了小人物的平凡生活却在舞台呈现手法上略显平淡。剧中共有20位演员参演,但群戏却少之又少,只是在展现8场短促的葬礼时沿台口呈剪影状排列,其余均为2至4人的对手戏,且鲜有神来之笔。倒是贯穿全剧却没有一句台词的老祖母伯芭令人眼前一亮,她抱着沉重的行李箱、挪着小碎步、背着儿子从养老院逃回家的一幕幕,令人看后忍不住心酸。

  《手提箱包装工》的台词充满了以色列文化中的小幽默,但碍于语言和文化的差异,有些不易让观众在剧场中很快读懂,这不能不说是一大遗憾。单从现有的翻译文本上看,《手提箱包装工》并未展现出预期中如《安魂曲》一般参透生死的宁静与恬淡,更多的是一种对于自身境遇不堪的自嘲与无奈,以及对于人性弱点的洞悉与怜悯。卡梅尔剧院院长诺姆·塞梅尔这样解释该剧中出现的大量行李箱道具:“对于以色列这样一个特殊的国家来说,这些陈旧的行李箱寄托了难民、流浪人、无家可归者内心的复杂情感……”或许这种情感会通过我们对以色列文化的了解而得到更加充分的接纳。  

  天马行空的浪子有悔

  古典礼服混搭着西服套装、现代墨镜映衬着贵族手杖、数码相机和老式澡盆交相呼应、塑料袋与紧身胸衣同台媲美……这就是盖谢尔剧院诠释下的《唐璜》。如同“一千个人心中有一千个哈姆雷特”一样,一千个人心中也有一千个唐璜。除摩登与古典交叉使全剧散发着另类的当代气息外,导演亚历山大·莫尔夫对于主人公唐璜的人物性格也有新的解读,不仅进一步放大了唐璜的反抗精神,还不惜笔墨地刻画了这个时代的新“唐璜”们,讽刺了那些愤世嫉俗、自私自利,一切以自我为中心、以快乐为标准的伪“唐璜”们。

  舞台呈现上,我们又见到了熟悉的以色列式天马行空的想象。可贵的是,导演在构思上充满想象力,始终服务于剧情的发展和人物的塑造。那替换了原著中马车的自行车;飞舞在自行车前后、挂在竹竿上的海鸟;既能作为码头又能作为房屋、在舞台上高速转动的二层竹架;乡妇们手中的白色长绸竟能化身波涛汹涌的大海,把唐璜和他的仆人淹没其中。特别是当众乡民跳入“水”中营救唐璜主仆时,白绸荡起,舞台光影瞬间变成海底世界,演员们的动作也突然缓慢下来,犹如潜游于水下,全场观众为这样精彩的演绎而热烈鼓掌。

  饰演唐璜的萨沙·杰米多夫是以色列当红演员。与在《敌人,爱情故事》中成功诠释的因战争导致性格破碎的犹太人赫尔曼一样,他将唐璜对于女人的放荡不羁以及对于上帝的离经叛道展现得淋漓尽致,特别是其站在教堂忏悔室的高台上呐喊“一切都只不过是光和烟雾的效果!”,带给现场观众前所未有的震撼。戏的末尾,当众人都离唐璜而去,代表神的意志的大理石像出现在他面前的时候,一束温暖的阳光伴随着一缕金黄的时间之沙从天而降,唐璜把手伸向流沙并深深跪倒,黑色纱幕也随之降下。不知是上帝的旨意让他回心转意,还是他终要接受上帝的惩罚,饰演仆人斯卡·那尔的德维尔·贝内德克则用其胖胖的体态、娓娓的讲述,恰当地调节了戏中的紧张气氛,为全剧增添了一抹幽默的亮色。

  一辈子演绎莎士比亚戏剧、获誉无数的演员埃略特·布莱恩,临老却身患阿尔斯海默症,常常穿梭在真实和角色之间;以饰演李尔王著称的他,在生命行至渐衰时的生活更是与《李尔王》呈现的故事暗合,他的三个女儿和李尔王的三个女儿一样,展现人生况味百态……9月17日,一部由王晓鹰执导,集结了王卫国、赵倩、翟冠华等中国国家话剧院老、中、青三代优秀演员的话剧《离去》在国话剧场上演,拉开了中国国家话剧院第六届国际戏剧季的帷幕。在随后的两个月时间里,6国戏剧院团将携8台24场精彩演出齐聚北京。

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演出;合作;中英文化;戏剧;战马

  自2004年首次举办每两年一次的国际戏剧季以来,中国国家话剧院至今已成功举办了5届国际戏剧季,主题分别为“永远的契诃夫”、“永远的易卜生”、“永远的莎士比亚”、“华彩亚细亚”、“华彩欧罗巴”,共有来自中国、以色列、俄罗斯、英国、法国、德国、加拿大、挪威、丹麦、立陶宛、哈萨克斯坦、韩国、日本、新加坡、越南等16个国家和香港地区的剧团在京演出。在本届国际戏剧季中,将有来自中国、德国、美国、马其顿、韩国、澳大利亚等国戏剧院团带来的《死无葬身之地》《离去》《哥本哈根》《哈姆雷特》《亨利六世》《仲夏夜之梦》《美狄亚》《四川好人》8部戏剧作品上演。

王晓鹰近来很忙。

6月27日至29日,由英国皇家歌剧院、中国文化部外联局主办,英国文化教育协会、英格兰艺术委员会、北京大学等承办的中英表演艺术高级管理人才交流研讨会在北京召开。本次活动是近年来中英两国之间一系列重要对话的延伸,作为2015年“中英文化交流年”成果的一部分,得到中英两国政府的支持。

  今年恰逢莎士比亚诞辰450周年,世界各地纷纷上演莎翁剧作,本次国际戏剧季也不例外,演出剧目中仅莎翁作品就达3部。而莎士比亚、布莱希特、萨特等世界级戏剧大师极具文学性、艺术性和历经时间检验的经典剧作在演出剧目中更占据了大部分比例。据国话副院长、著名导演王晓鹰介绍,本届戏剧季不再设特定主题,就是要彰显其包容性和国际视野,更好地体现戏剧季打造国际化戏剧交流平台的决心和诚意。

再过几天,由他导演、上海京剧院创排的新编现代京剧《北平无战事》,即将作为第十二届中国艺术节参演剧目,在虹桥艺术中心与观众见面。从4月中旬起,他就常常泡在天钥桥路上海京剧院练功房里,和演员们一起打磨细节。

会上,中国国家大剧院、中国国家话剧院、上海大剧院等多家表演艺术机构的代表,与来自英国皇家歌院剧、英国国家剧院、莎士比亚环球剧院等的14位英国剧院高管和演艺界专家,围绕剧院工作结构、剧目生产流程、管理和运营模式、受众拓展和融资模型以及交流合作等话题展开深入研讨。

  在本届国际戏剧季中,国话将有3部剧作上演。由查明哲执导的法国存在主义哲学家、文学家萨特的名剧《死无葬身之地》时隔17年后在国家大剧院隆重上演。这部汇集6位国家一级演员、荣膺近30个国家级表演奖项的杰作迎来了全新的大剧场版。而王晓鹰的最新作品《离去》在首演后再次亮相,演员们出色的表演和对人物入木三分的把握,更给观众呈现出一个温情感人的故事。同样由王晓鹰执导、多年来长演不衰的2000年普利策奖和托尼奖双料获奖剧作《哥本哈根》,也将在本届国际戏剧季上与观众见面。

有时间,他会去“老地方”静安现代戏剧谷。不是像过去一样以导演身份带戏去演出,而是去欣赏来自立陶宛的经典剧目,忙里偷闲发个朋友圈。

舞台剧《战马》自2007年在英国伦敦首演以来,在全世界演出超过3000场,观众总数超过500万人,创造了辉煌的观演纪录。2013年8月,中国国家话剧院与英国国家剧院在伦敦签署合作备忘录及协议,《战马》作为中英戏剧战略合作的第一部作品,于2015年9月起以中文版的形式在中国各地进行长期演出。这不仅让中国乃至亚洲的亿万观众有机会欣赏到这部舞台巨制,也开启了中国演出产业化升级的大幕,给中国演出产业带来深远影响。

  在国际剧目方面,曾获得无数国际大奖的德国导演迈克尔·塔尔海默将携德国法兰克福剧院带来古希腊经典悲剧《美狄亚》,而莎士比亚的三部经典戏剧作品《哈姆雷特》《亨利六世》(第三部)和《仲夏夜之梦》则将分别由美国燃月剧团、马其顿比托拉国家剧院和韩国旅行者剧团演绎亮相。在莎士比亚诞辰450周年之际,分别由来自北美、欧洲和东亚的戏剧院团在同一个戏剧季中演绎莎翁的三部经典作品,成为本届戏剧季的一大看点。

这个春天,著名导演王晓鹰在上海导戏、赏戏、品戏,乐此不疲。

此次研讨会上,担任《战马》中国区导演的英国国家剧院导演亚历克斯·森斯介绍了《战马》中文版排演的相关情况,他说,排演过程中遇到很多文化和环境方面的差异,但经过训练、磨合,演员们最终完成的表演令人满意。亚历克斯强调翻译的重要性,他说,为了做好翻译工作,主创和翻译人员坐在一起,逐字逐句地研究,寻找最合适的表达方式,此外,他们还专门制作了一本有关《战马》专用词汇的中英字典。国家话剧院相关项目负责人也谈到,英国国家剧院的要求极其严苛,中文版《战马》在演员表现、舞台布景、灯光和音响设备等方面,都必须严格达到标准,而这些对中国戏剧提升技术和制作水准起到了积极作用。

  引人注目的是,中国先锋戏剧导演孟京辉,此次将携中国国家话剧院与澳大利亚马尔特豪斯剧院合作的《四川好人》亮相本届国际戏剧季。这也是孟京辉执导的首部布莱希特的作品。今年夏天,他代表中国国家话剧院前往墨尔本与当地艺术家进行创作和排练,并于7月初在澳洲成功完成了该剧的世界首演。此次该剧“压轴”本届国际戏剧季,不仅有被誉为澳洲滑稽戏女王、以肢体展示而著称的女演员莫伊拉·菲纽肯加盟,以及“汗水”(The Sweats)乐队的现场摇滚音乐表演,同时也堪称国话“牵手”国际的成果展示。

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2012年伦敦奥运会期间,由中国国家话剧院常务副院长、著名导演王晓鹰执导的中文版话剧《理查三世》参演全球性文化活动“环球莎士比亚”戏剧演出。之后,该剧又应邀赴美国、罗马尼亚、丹麦、匈牙利、以色列、韩国等地演出,并于2015“中英文化交流年”期间在英国莎士比亚环球剧院再次上演。该剧得到国外观众高度评价,其独特的中国视角和中国式诠释也受到大家的推崇和关注。王晓鹰表示,语言问题和剧院条件不会给观众欣赏表演带来障碍,因为中英文化既有差异也有很多共通之处。剧中,王晓鹰让演员穿上中国传统服装,运用了很多富有中国古典特色的道具,融入中国京剧唱腔、舞蹈、打击乐和书法等元素,舞台背景应用的“英文方块字”更彰显了中英文化的碰撞与相融。

【不是为了形式而形式,也不是为了实验而实验】

英国莎士比亚环球剧院首席执行官尼尔·康斯特布尔说,《仲夏夜之梦》来中国演出时,在配器中融入中国民族乐器二胡、笛子,受到观众的欢迎;中国国家大剧院剧目制作部部长韦兰芬通过介绍国家大剧院剧目制作战略,指出共同投资制作既可以节省成本,也可以实现资源的优势分配,并在实践中为中国培养剧场领域的人才。英国沙德勒之井剧院技术和制作总监艾玛·威尔逊指出合作中沟通尤其是提前沟通的重要性。英国斯图菲什娱乐建筑事务所制作总监保罗·科克及中国国际京剧院的代表也强调合作时要在设计阶段就把一切处理完善。

上观新闻:提到您的名字,很多人第一时间想到的是您执导过的许多话剧、歌剧、京剧、越剧、舞剧、音乐剧。但其实,您在当导演之前,在基层剧团做过多年演员。当时是怎么想到要转型当导演的?

同时,中英嘉宾还尝试拟定统一的剧目制作和联合制作流程,促进表演艺术行业的人才培训与发展,提高双方作品在彼此国家剧院演出的整体运作效果。英国皇家歌剧院首席营运官萨利·奥尼说,我们希望探索两国可以协调一致的领域,研究两国在剧作管理流程和角色方面的差异,通过提升共识,达成中英表演艺术加强合作和确定未来发展方向的目的。

王晓鹰:这个转变和上海有点关系。

信息的交流与经验的分享,为未来中英剧目制作和联合制作奠定了基础,也为今后中英在表演艺术领域持续展开务实合作搭建了平台。据悉,2018年,中英将在北京联合制作《纽伦堡的名歌手》。

1978年,全国掀起了观摩和学习话剧《于无声处》的热潮。我当时在安徽池州地区文工团当演员,和同事们坐了一夜轮船来到上海学习,准备回去排这部戏。我们先是看了上海青年话剧团的演出,第二天又看了上海工人文化宫业余话剧队的演出。回去排戏时,当大家都不清楚该怎么做的时候,我发现自己能够非常清晰地回忆起演出内容和舞台调度等等。

在那个年代,很多剧团是没有专门的导演的。一部戏里,谁没有分配到合适的角色,谁就做那部戏的导演。当时,大家对导演所要承担的创造性工作认识不够,觉得能把看过的戏“拷贝”下来就是当导演的“料”了。那次经历之后,我意识到自己可以往导演方向发展,并且把它作为我的长远追求。

1979年,中央戏剧学院恢复导演系本科招生,我报名参加考试,顺利地被录取。在中戏学习之后,我才真正认识到导演这份工作所需要的创新性和自我表达意识。

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王晓鹰在中戏讲座

上观新闻:大家对“演员的自我修养”这个说法津津乐道。相应地,是否还有“导演的自我修养”?您怎么理解?

王晓鹰:我认同苏联一位专家的说法。他说,导演有3个职责。

第一是剧本的解释者。导演要有思想,对所排的戏要有自己的思考和判断,对于戏里的人物、人物的每一段生活都要有自己的态度,而不是简单地把文字剧本搬到舞台上,也远不只弄一些好看的舞台效果。

第二是演员的镜子。一部戏不是由导演来表演,而是要靠演员的表演去呈现。所以,导演要帮助演员达到人物塑造和内容表达的要求。

第三是演出的组织者。除了面对剧本和演员之外,导演还要面对各个创作部门和运作部门,需要有一定的组织能力和领导力。

上观新闻:大学毕业之后,您被分配到中国青年艺术剧院担任导演。那个年代,很多导演都到国外进修学习,您当时去德国待了3个月,看了100多出戏。那段经历对您产生了什么样的影响?

王晓鹰:那段经历对我的影响非常深刻,这是我后来才意识到的。

大学毕业后,我先是和宫晓东一起排了《挂在墙上的老B》,这部戏是中国第三个小剧场戏剧,在当时是非常前卫、具有探索性的。接着我又排了《魔方》,整部戏由9个部分组成,各个部分互不相连,由一位主持人贯穿始终,调节情绪和气氛。当时这部戏获得了很大的反响,它的实验性和探索性甚至让一些老前辈感慨“这哪能叫作戏啊”。所以,那时候我是处在非常前卫的状态的。

1988年,我受邀到德国学习。去的时候对德国戏剧一无所知,所有的行程,包括去哪里看戏、接触哪些剧团和剧目,都是友人安排的。他没有照着我那时候的“路子”,把我带到年轻人的实验戏剧圈子里,而是把我引进了德国的主流戏剧圈。我去了柏林的各大剧院,还去了德国市场运营最成功的国有话剧院——汉堡塔利亚剧院。那里上演的剧目给了我非常大的震撼。经典剧目都有新颖的舞台表达,有着强烈的时代感,演出人物的丰富性、思想内涵的深刻性都给了我很大的启发,让我意识到“戏剧应该是这样的”。

从德国回来之后,我在中国青年艺术剧院排的第一个戏叫《浴血美人》。当时,演员们都很惊讶地跟我说:“你排戏的状态怎么完全变了?”很多年后我才意识到,那段经历让我确立了想法,即我所喜欢、所追求的戏剧是具有强烈的探索精神和创新精神的主流戏剧。没有因循守旧的舞台表达,不是为了形式而形式,也不是为了实验而实验,一切都是为了表达戏剧的内涵和思想。从那时到现在,我一直都是顺着这个路子在走。

【对经典的尊重与否,不在于动不动它】

上观新闻:许多导演都对经典剧目很感兴趣。早在1993年,您就执导过新版《雷雨》。经典为什么如此有魅力?

王晓鹰:照现在流行的说法,经典就是一个大“IP”。它为人们提供了各种表达的可能性,通过这部作品可以帮助人们更深地追求戏剧的本质。 相对于同时代创作出来的作品,经典的数量可能连百分之一都不到。这些大浪淘沙留存下来的作品,带给人们的艺术信息实在是太宝贵了。经典是人类文化源远流长传承下来的,如果你不承认这种传承和它的意义,那就是太轻视人类文化的发展源流了。

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王晓鹰与曹禺

上观新闻:不同时代、不同国家的不同导演往往会有不同的演绎和改编,有时候会受到不少争议。我们该怎样看待经典改编?

王晓鹰:一些中国同行对经典改编的不接受、不满意,这样的问题放在世界戏剧舞台,可能不成问题。

2012年,伦敦举办了奥运文化年活动。期间,伦敦环球剧院办了一个戏剧节,用全球37种语言演绎莎士比亚的37部戏。他们自己演了英语的戏,随后挑了36种语言的导演,中文导演就是我,排的是《理查三世》。 怎么排这部戏?是把它当作外国故事来排,还是把剧本改成一个中国故事,把名字、朝代都改成我们的?我觉得都不行。我当时选择了“组接”的做法,把我们的文化直接与莎士比亚的故事对接,把原先的内容删掉了一半,加了一些《麦克白》的内容,用了很多中国的方式去表达。

去之前,有朋友对我说,你到莎士比亚的故乡去演他的戏,怎么不原汁原味地呈现?我反问道:什么叫原汁原味?我认为,英国人可能更愿意看到他们不熟悉的排法、跟他们不一样的理解,那样更能体现莎士比亚是全世界观众的。 在伦敦戏剧节演出之后,没有任何声音质疑我对莎士比亚剧本的改编,没有人质疑我用中国的方式去表达。他们带着一种意外之喜看着莎翁戏剧的内涵被中国思维、中国文化和中国哲学所表达。这是英国人的文化自信。他们认为,莎士比亚戏剧的永恒性就在于,它可以跟各时代、各文化、各国家的创作结合,改编根本不是问题。

我曾经看过立陶宛和韩国两个版本的《罗密欧与朱丽叶》,他们对结尾的处理和莎士比亚原著截然不同。莎翁的原意充满了文艺复兴时期标志性的人文主义精神和积极乐观态度,但那两个版本的结尾所表达的,是人群、族群的隔膜、冷漠、对立。仇恨远没有莎士比亚400年前说的那么容易化解。这是当代人对自身生存状态的深刻感悟和忧虑,也是剧作家写作时的那个“当代”与戏剧演出时的这个“当代”,通过演出“结尾”的处理建立起的一种直接接通,我把这种接通叫作——戏剧经典由结尾接通当代。 在我看来,任何一部作品都可以在今天进行重新解读。对经典的尊重与否,不在于动不动它,而在于是否真正理解它,是否真正地在尊重的基础上进行阐释。

奥门新萄京网址:文化不能只追逐利益,提升彼此演出的整体运作效果。上观新闻:许多看过《理查三世》的观众都对剧名Logo印象深刻。它是艺术家徐冰创造的英文方块字书法。上世纪90年代,徐冰创造的这种看起来像中文,但实为英文的书写形式在国外引起了强烈反响。当时怎么想到把这个元素运用进《理查三世》?

王晓鹰:我们希望带着自己的语言、文化、戏剧、历史的表达来排莎士比亚。主创班子就想到了徐冰的英文方块字。我们认为,他把中国的文字文化和英文文字文化直接对接,产生全新的现代的文化信息,从理念上来说和我们是不谋而合的。我们就找到他,请他创作了宣纸加英文方块字组成的布景。

伦敦演出开演前,红底黑字剧名的牌子在舞台上放着的时候,不少英国观众就反应过来了。他们一下子就认出来,这些“汉字”其实是由英文字母组成的,合起来就是一个英文单词,现场气氛立刻变得活跃起来。

【我们认为的“对外交流”,可能只是“对外展示”】

上观新闻:2012年在伦敦首演之后,《理查三世》已在多国上演。今年4月,“东亚文化之都2019”活动还邀请剧组到东京演出。从某种意义上来说,戏剧是否担纲着中外文化交流“使者”的角色?

王晓鹰:是的。这次公演是“东亚文化之都2019”系列活动中的一环,是中日韩三国当代艺术及传统文化的交流。日方在挑戏时,指明邀请《理查三世》,因为他们看到了2012年英国演出时的媒体报道,很感兴趣。中国戏剧跟西方戏剧的舞台表现和演员表演方式结合在一起所产生的火花,让他们很期待。通过这次演出,他们确实不仅看到了中国戏剧与西方戏剧的联系,更看到了中国传统文化的活力和具有现代感的表达。

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《理查三世》在日本演出

上观新闻:这些年您一直致力于推动中国戏剧“走出去”。如今,中国艺术作品“出国”的机会越来越多,在欣喜的同时,我们该如何让掌声再响一点,让心灵共鸣再多一点?

王晓鹰:在以西方文化为中心的视野里,东方文化是遥远而神秘的。当西方人带着这样的眼光来看中国传统艺术作品时,往往会觉得很新鲜,因为他们看到了一种完全不一样的美。 但如果仅仅是觉得新鲜,并不能产生真正的交流。我记得有一次,一位美国戏剧界的朋友到北京来,我想安排他看一场京剧,他却流露出了异样的眼神,问我这是不是杂技。如果外国人只看到中国传统戏曲的形式和技术层面,却没有内在共鸣和沟通,那么,看一次觉得新鲜,看两次觉得很美,对我们的文化隔膜还是存在的。那样,我们认为的“对外交流”,可能只是“对外展示”。

真正要交流,一定要让人们看到文化沟通的可能性。对我们来说,对外展示中国文化的悠久和灿烂非常有必要,但同时也要让越来越多的人看到,这样悠久灿烂的文化在今天依然是有鲜活的生命力的,是具备和世界上其他文化对话交流的能力的。作为创作者,我们的工作不只是把我们原生态的东西照搬上舞台,运到国外去展示,而是要通过我们的感受力和创造力,赋予传统文化元素以现代感,把我们的美学观、哲学观传递出去。

上观新闻:除了用中国元素演绎西方戏剧,您去年还做了一次大胆尝试,让中国演员和希腊演员用各自的母语同台表演,以双语交互的方式共同演绎《赵氏孤儿》。这个过程中您遇到了哪些挑战?

王晓鹰:2018年11月,中希双语版《赵氏孤儿》在雅典最负盛名的希腊国家剧院演出。我们去之前有过一些担心,不知道希腊观众能不能接受这出中国悲剧。没想到演出效果特别好,观众反响很热烈。

实际上,《赵氏孤儿》的故事对许多西方观众来说并不陌生,它是最早在欧洲产生影响的中国经典剧作之一。法国文豪伏尔泰曾将《赵氏孤儿》改编成《中国孤儿》,德国诗人歌德也试图根据赵氏孤儿的故事创作悲剧。所以,让观众理解故事是不困难的,难点在于让希腊演员和观众理解剧中人物中国式的情感思维和行为逻辑,尤其是让他们理解中国的传统道德。

演出前,我们团队在希腊排练了两个多月。和希腊演员交流的时候,我把汉字“仁”“义”“恕”“孤”“忠”都写下来,通过翻译向他们解释这些汉字在中国文化中的含义,带领他们进入情境。经过这样的准备,最终观众们看到了舞台上希腊演员扮演的屠岸贾、韩厥讲希腊语,中国演员扮演的程婴、程武讲汉语,双方演员各自用母语表演,对话流畅、无缝衔接的场景。

这些年我导演的《理查三世》《高加索灰阑记》《赵氏孤儿》等,都可以称为“跨文化戏剧”。作品中存在着多种形态的文化碰撞和交融,如话剧与戏曲之间、东方与西方之间、创新与传统之间、现代与古老之间以及不同语言之间等。 在我的理解中,“跨文化戏剧”的真正意义不在于“跨”而在于“合”,合于“有机的整体”,合于“内涵的表达”。这样的演剧样态带有“跨”的明显印记,而在丰富性和感染力上则是“跨”之前的单独文化样态所不及的,因为“合”而形成一种新的、独特的、浸透在整个演出中的“跨文化艺术语言”。

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中希双语《赵氏孤儿》惊艳雅典

【给观众选择的权利,让他们在选择中分流、成长】

上观新闻:2019静安现代戏剧谷刚刚闭幕不久,精彩纷呈的中外剧目给上海市民奉上了丰富的“文艺大餐”。您是静安现代戏剧谷的常客,曾获得“壹戏剧大赏”年度最佳导演称号。在您看来,当前城市戏剧展演平台和戏剧产业发展需要注意哪些方面?

王晓鹰:我认为上海在这方面眼界很开阔,符合国际发展趋势。像我们耳熟能详的美国百老汇,出名的不只是节目,而是从前期的创作、策划,到作品的试演、加工,再到最后的市场化推广的成熟“一条龙”。目前国内有不少地方都力求打造“戏剧一条街”,但是,这样的“一条街”不是光有地皮和资金就行了,也不是光有热情就行。要做这样一件事,首先要有符合戏剧创作规律的文化观念,要认识到创作是有过程的,需要各个环节的专业化运作,需要时间去积淀。这方面上海是走在前列的。

1988年我去德国的时候,一到柏林就领了一本节目册,上面有各种节目信息。后来我去莫斯科,人家给了我一份报纸,整整一个版上面都是节目信息。每天有很多戏供你挑选,根本不可能完全看完。我当时就想,中国什么时候也能这样。现在,很高兴在上海已经能看到这样的场景。

当前,中国戏剧达到了前所未有的繁荣,在演出数量、创作数量、剧团数量、从业人员数量、观众数量和票房收入方面一片繁荣。有了这样的土壤之后,我们要思考的是如何谋求更高的“质”,并且加深对戏剧本质的理解,这才是繁荣之后的发展。

上观新闻:丰富的文化活动给人们提供了多种选择,越来越多的人养成了观看文艺演出的消费习惯,整个城市的鉴赏能力、艺术品位是否会因此得到提升?

奥门新萄京网址:文化不能只追逐利益,提升彼此演出的整体运作效果。王晓鹰:戏剧对观众的吸引可以分为多个层面。新奇是一个层面,视听满足也是一个层面,故事情节引人入胜也是一个层面。观众通过不同层面渐渐培养起对戏剧的认知,而鉴赏经验的积累,必然会带来鉴赏品位的提升。 在我看来,观众的流向整体上是从“俗”到“雅”,对文化产品接受得越多,积累的经验越多,越会慢慢提升。这是一种金字塔式的提升。金字塔底面越大,普及的人越多,塔尖那一部分人的欣赏品位就越高。只要剧本写得扎实,人物的生命感受呈现丰富,这样的作品对观众一定是有吸引力的。观众一定不会总是停留在表面满足的层面。

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王晓鹰担任《国家宝藏》国宝守护人

上观新闻:近年来,您先后在文化综艺节目《国家宝藏》中担任国宝守护人、《声临其境》中任点评嘉宾,这是否也是一种文化普及的尝试?

王晓鹰:这两个节目在某些方面和我自身的追求是契合的,那就是靠有营养的内容对观众产生吸引。比如,《国家宝藏》讲述了文物背后的文化历史、制作工艺,呈现了相关的生命内涵和文化内涵。《声临其境》则让观众看到,一个真正的演员具有全面综合的能力,他们高超的表达演绎能力是建立在理解和感悟的基础上的,而不只是依靠一些流行元素。这样的节目让观众看到了日常生活中很难接触到的艺术文化信息。

不能说“流量”现象的存在是不合理的,但是,我们不能只有这些东西。我们需要有艺术内涵和艺术品质的文化,让观众更接近文化和艺术的本质。作为文艺创作者和文化传播者,必须要给观众选择的权利,让观众在选择中分流、成长。归根结底,文化不能只追逐利益。

王晓鹰 安徽合肥人,1957年生于北京。导演学博士,国家一级导演。曾任中国国家话剧院常务副院长,现任中国戏剧家协会副主席,中国文联全国委员会委员、中央戏剧学院博士生导师。曾多次获得“五个一工程奖”、“文华奖”、中国戏剧节优秀导演奖等全国性大奖。

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