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奥门新萄京网址:2016中国戏剧,回到艺术本真的

看甜糯沪剧如何写春秋

时间:2016年01月11日来源:《中国艺术报》作者:张悦长宁沪剧团原创新戏《赵一曼》晋京演出奥门新萄京网址 1沪剧《赵一曼》剧照

  “未惜头颅献故国,甘将热血沃中华” , 31岁的赵一曼国难当头赴国难,在白山黑水中献出忠魂,其在《滨江述怀》中写就的这一句诗深深地震撼着长宁沪剧团团长陈甦萍的心。自小有着英雄情结的她, 8年前看到一份介绍抗联烈士赵一曼事迹的材料十分感动,心里就怀揣一个强烈的愿望,要在合适的时间把这位女英雄光辉感人的形象搬上沪剧舞台。此番,陈甦萍终于带领剧团创排出这样一部热血写春秋的沪剧大戏《赵一曼》 。

  《赵一曼》 2015年2月在沪首演,赢得了观众的喝彩,随后被文化部定为上海地区仅有的两台入选的优秀剧目之一进入纪念抗战胜利70周年的优秀剧目在全国巡演,先后赴宜宾、宁波、杭州、太仓、常州等地演出, 2015年12月底则以一场精彩的晋京演出为全国巡演完满收官。“虽然是区级小剧团却勇于做大题目,更有大气魄,大格局。 ”“在戏曲的传承创新仍困惑重重之时,沪剧总以承前启后的姿态,给人惊喜和鼓舞。 ”在晋京演出后的研讨会上,京沪两地多位文艺评论家和戏曲表演艺术家都给予这部剧较高的评价。

    沪剧的“红剧”传统

  沪剧这个上海本土文化特色的地方剧种,富有浓郁的江南水乡的生活气息,擅长演绎现代生活,艺术曲调委婉,“甜、糯、柔、润”的独特唱腔正是其最大特点,也是深受上海老百姓喜爱的原因所在。而用这样柔美的沪语唱腔去塑造东北抗联女英雄和战火纷飞的战斗戏,确有一定的难度。怎样把英雄的形象搬上沪剧舞台?这是陈甦萍和沪剧《赵一曼》剧组在酝酿筹划这部戏之初就在反复探讨的课题。陈甦萍说,“我们为什么不怕,正是因为沪剧善于反映现代生活,在题材突破上有不少成功的经验。我们产生过像《芦荡火种》这样的好戏,心里有底,这部《赵一曼》关键是要以全新的视角和理念,塑造一个光辉、生动且独特鲜活的舞台新形象。 ”

奥门新萄京网址,  沪剧虽然以旗袍西装戏见长,但其实有着深厚的“红剧”传统。沪剧《芦荡火种》 ,即是后来声名显赫的京剧样板戏《沙家浜》的前身,此戏1959年由上海市人民沪剧团初排,最初剧名为《碧水红旗》 ,后来曾经数次复排。另一个例子是沪剧《红灯记》 ,根据电影剧本《自有后来人》改编,由爱华沪剧团1963年改编上演, 1964年中国京剧院将此剧改编成京剧《红灯记》 。“我们既要继承传统,又要有所突破。 ”陈甦萍谈到。沪剧《赵一曼》跳出其三十多年革命斗争的历程,集中到她战斗生命的最后阶段,根据沪剧的特点,以写情为主,以丰满的细节刻画,突出她的慈母心肠和爱子柔情。著名戏剧理论家黄在敏认为,对于赵一曼这样重大的题材来说,搬上戏剧舞台之前有不少剧种做过尝试,应该说难度是比较大的,因为要面对的是如何能够在有限的篇幅当中对人物给予充分展现。“在这方面, 《赵一曼》做到了从情来突破。因为沪剧是以唱见长,找到一个相互之间的共鸣和共振,才使得这出戏看起来别具一格。 ”

    跨越难度才能塑精品

  20年前,陈甦萍曾晋京演出过沪剧原创大戏《母亲的情怀》 ,讲述当年一群下岗女工自立自强的故事,她本人更是凭借此戏获得了上海白玉兰戏剧表演主角奖。近几年她又在《文红老师》 《苏娘》和《小巷总理》等剧目中塑造了一系列慈爱可亲、风采个性迥异的母亲和教师形象,有不少新的探索,不仅深受观众喜爱,也得到专家们很高的评价。

  她塑造的母亲和教师形象已成为沪剧舞台一道魅力独具的风景线。但扮演赵一曼这样留过学、进过军校、担任过部队政委,在战场杀出威风,在刑场义薄云天的巾帼英豪,却还是第一次。她用心去体验、去感受、去探索,与编剧、作曲等一起设计出“送别宁儿”“月下思念”“倾诉衷情”“血泪遗书”等一系列唱段,发挥自己富有磁性的“陈八曲”唱功,让赵一曼这一英雄形象矗立在沪剧舞台上。“角色是要用心去感受、用心去体现、用心去探索的。台上的演绎关键在于一个‘情’字,要以物寄情、以形传情、以声唱情。这样质朴细腻、刚柔相济、角色兼具英雄本色和母爱光辉的戏,带着观众进入情节。 ”陈甦萍说道。

  “台上动情,台下也跟着动情,尤其是女人看这个戏会感触更深。 ”著名京梆子表演艺术家刘玉玲说自己几乎是流泪看完的演出。她直言这部戏不仅表达出赵一曼为人妻、为人母的亲情,更展现了她把自己命运与国家紧紧联系在一起的情怀,整部戏十分大气。“ 《赵一曼》注重大写意小写实,不仅以情动人,视觉冲击力也很强。 ” 《中国戏剧年鉴》常务副主编罗松认为,作为一个沪剧作品,突破了沪剧本身比较注重写实的风格,采用一种虚实结合的艺术手法来创造,是沪剧舞台上的创新和突破。而中国文艺评论家协会副主席毛时安则坦诚地提出他的看法,“这个剧本的创作过程当中,实际上存在着一丝尴尬的状态,我们可以看出,作者他想在传统的写法当中,杂糅进一些比较有现代感的表现手法,但是,因为编剧的观念,以及他对现代戏剧写作的理解,这个作品在新旧之间有一种矛盾没有解决好,还有一定的改进空间。 ”毛时安还提出,如果能跨越这些难度的话,也许能够贡献出一个闪耀着时代光彩、又非常具有艺术价值,并产生持续感动的艺术精品。

回到艺术本真的原点,回到生活深处

一个剧院的海上风韵

人民日报:在“接地气”中求新求变

时间:2018年07月31日来源:《人民日报海外版》作者:茅善玉

  注重与时代同步、与社会共振,善于从百姓生活中提取打动人心的故事与情感,以现实主义手法表现现实题材,这是沪剧始终葆有艺术活力的宝贵经验

  沪剧使用上海话表演,是地道上海本土戏剧,素来注重唱功,音乐清纯柔美,独具江南丝竹之韵致。和“百戏之祖”昆曲相比,沪剧还很年轻,但也有200多年历史,在这期间逐渐发展出不同风格的流派唱腔,红遍江南。由于语言的特殊性,沪剧在地方戏中属于小剧种。但这个“小”剧种影响力不小,其所以葆有艺术活力的经验对当代戏曲发展尤具启发意义,即注重与时代同步、与社会共振,善于从百姓生活中提取打动人心的故事与情感。

  上世纪60年代,沪剧为中国戏剧贡献两部戏:现代京剧《沙家浜》改编自沪剧《芦荡火种》,现代京剧《红灯记》改编自沪剧《红灯记》。与此同时,沪剧创作出以五卅工人运动为背景的《星星之火》,后来被改编成电影,也在社会上引起很大反响。这几部作品所以在当时产生巨大影响,离不开作品与时代之间的强烈共振。而这种以现实主义手法表现现实题材的特质,早在沪剧诞生之初就被前辈艺术家写入沪剧的基因中。上海从开埠以来就是城市化的,与商贸、金融紧密结合,沪剧诞生于斯,成长于斯,自然融汇了这个城市特有的文化气息,以及这方水土独有的生活态度——这就使沪剧在最初就具有浓厚的现实主义风格,沪剧前辈深具开拓精神,没有走传统戏曲“才子佳人”的老路,而选择观照当下。这正是沪剧独特魅力所在,也是我热爱沪剧的重要原因:你要在舞台上艺术地表现当下生活,除了学习前辈经验,还需要敏锐地观察生活、深入生活。

  沪剧的这种现实主义精神还表现在对其他文艺样式作品的改编上。已故沪剧表演艺术家丁是娥曾把话剧比喻为沪剧的奶娘,“话剧的现实主义乳汁哺育了沪剧成长”。当年许多西洋话剧漂洋过海来到中国后,第一站落脚点就是上海。话剧钦羡本地滩簧以本土唱腔吸引大量拥趸,而沪剧向往话剧的现代都市题材。面对戏剧家洪深从国外带回的西洋剧本,沪剧人将其改编得接地气,以便为上海老百姓接受。于是,莎士比亚名剧《罗密欧与朱丽叶》到了沪剧舞台就变成《铁汉娇娃》,故事背景从16世纪末的英国改为清朝,人物也进行了本土化改造,受到沪剧观众欢迎。上世纪50年代我国第一部《婚姻法》甫一颁布,赵树理小说《登记》就被改编成沪剧现代戏《罗汉钱》,无论是江南小调的运用,还是情节安排、人物设置,无不充满上海气质——赵树理笔下太行山的农村故事被改编为原汁原味的上海故事。沪剧著名选段《紫竹调·燕燕做媒》就出自这部剧。

  和其他地方戏相比,沪剧尤为擅长“小”题材:家庭伦理、家长里短,很接地气。但不是所有“小”题材都能入戏,也不能让沪剧止步于“小”题材,而是要不断拓展这个剧种的成长空间。于是,近些年我们注重选择有历史文化品格的题材,开拓戏路,如《邓世昌》《敦煌女儿》等,为沪剧赢得很多年轻观众。这些戏从题材选择、音乐设计到舞台美术、服装设计,都注重现代表达,让沪剧更好地与时代同步,与社会共振,传递正能量。其中,《敦煌女儿》讲的是上海人樊锦诗扎根敦煌几十年的真实故事。5年中,我数次到敦煌体验生活,与樊锦诗成为“忘年交”。这出戏采用时空穿梭的手法,实中有虚、虚中有实;叙事上试图突破传统先进人物表现手法,不仅表现樊锦诗,更力求体现“敦煌人”这一群像。由于题材特点,剧中不少台词都有一定专业性,为增强艺术感染力,我还借鉴了京剧、越剧等唱腔,以此丰富沪剧音乐形象。

  可以说,在“接地气”中求新求变,是沪剧艺术发展至今最为宝贵的经验。在这一过程中,沪剧发展面临的挑战也在随时代而变。比如,沪剧曾经面临严峻的生存危机,步履维艰。我临危受命,担任上海沪剧院院长,第一个戏是“众筹”的。而今,局面一点点打开,沪剧日渐繁盛,除上海沪剧院,上海还有其他几个院团也在进行沪剧演出。但我们不能放下忧患意识,虽然当下沪剧很红火,但伴随今天这一代沪剧观众老去,是否会有新一代沪剧观众成长起来?作为剧种语言的上海话、作为剧种沃土的上海地方文化特质,是否正在经受同质化冲击?这些年对地方文化特色的重视虽然有所提升,但亦不能盲目乐观。

  而今,围绕传统文化的传承与发展,社会共识度不断提升,我们对文化自信有了新的理解和追求。作为海派艺术瑰宝,沪剧不能躺在过去的功劳簿里。具有鲜明上海地域特色的沪剧,当继续以“接地气”的身姿和时代同步,以开放包容的姿态广采博纳,求新求变。

  (本报记者任飞帆采访整理)

  茅善玉,沪剧表演艺术家,1962年出生于上海。现任上海市戏剧家协会副主席、上海沪剧院院长,为全国宣传文化系统“四个一批”人才。曾获中国电视金鹰奖最佳女主角、中国戏剧“梅花奖”、两次白玉兰戏剧表演主角奖、中国戏曲现代戏突出贡献奖等。代表作品沪剧《红灯记》《雷雨》《罗汉钱》等。

2016中国戏剧:回到民间 砥砺前行

时间:2016年12月30日来源:中国文艺网作者:怡 梦

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  “临川四梦”纪念汤显祖逝世400周年展演剧照

  “我曾两次去英国皇家莎士比亚剧团,看他们排练,与莎剧专家一起工作,分析文字中的线索。这让我明白了莎士比亚回到民间、回到老百姓当中去的重要性。其实回到400年前,莎士比亚的作品就是演给市民看的,它的语言非常通俗易懂。”国家大剧院制作的莎士比亚作品、话剧《李尔王》正在为明年1月的首演紧张筹备,导演李六乙的一番体悟,为戏剧带来不少启示。

  让更多观众看到戏剧、看懂戏剧,是很多戏剧工作者一直以来的向往,2016年,戏剧人在不懈追求目标的路途上实现了更多探索。这一年,多地方、多剧种汇聚京城,为人们捧出了一台台地方戏精品剧目。这一年,戏曲、话剧、歌剧、舞剧等戏剧形式各显神通,为人们勾画了一个个动人的中国故事。这一年,汤翁莎翁与全世界戏剧人遥遥对望,相隔400年之久……

  硕果累累

  2015年7月,国务院办公厅印发关于支持戏曲传承发展若干政策的通知,提出加强戏曲保护与传承、支持戏曲剧本创作、支持戏曲演出、改善戏曲生产条件、支持戏曲艺术表演团体发展、完善戏曲人才培养和保障机制、加大戏曲普及和宣传等多项措施。2016年,这一为戏曲工作者所喜闻乐道的“52号文件”发挥了作用,也收获了硕果。

  今年有“豫剧月”。13个演出院团的23场豫剧大戏3月在京展演。不仅河南本地院团上演了《花木兰》等剧目,新疆、河北、山西、安徽等地院团和中国戏曲学院也以《大漠胡杨》《宇宙锋》《吴琠晋京》《印记》《朱丽小姐》等剧目,呈现豫剧在全国多地扎根的可喜景象。有“湘戏月”。12台湖南省原创剧目8月来京演出,湘剧、花鼓戏、巴陵戏、常德汉剧等湖湘剧种剧目和湖南省院团创演的京剧、舞剧作品相继登台。有“闽戏月”。福建省19个演出团体携梨园戏、莆仙戏、闽剧、高甲戏、歌仔戏、潮剧、闽西汉剧、北路戏、提线木偶戏、掌中木偶戏共10个剧种39出折子戏9月来京演出。各地方、各剧种的艺术家将地方戏的魅力传之广远。

  今年有“会师季”。7月至8月,全国31个省区市的31台剧目在京会演,涵盖评剧、河北梆子、襄垣秧歌剧、蒙古剧、辽剧、吉剧、拉场戏、沪剧、扬剧、婺剧、黄梅戏、莆仙戏、赣剧、豫剧、山东梆子、荆州花鼓戏、湘剧、山歌剧、琼剧、桂剧、川剧、花灯戏、藏戏、秦腔、眉户剧、新疆曲子共26个地方戏曲剧种,演出团体多为县级院团,现代戏超过一半,体现了基层戏曲院团的优势与活力。8月至10月,上海、江苏、浙江、安徽、福建、江西、湖南、广东、广西、四川共10个省区市的16台剧目在京会演,涵盖沪剧、扬剧、越剧、婺剧、黄梅戏、芗剧、赣剧、湘剧、花鼓戏、粤剧、潮剧、邕剧、川剧、木偶戏等多个南方剧种的新编历史题材、革命题材和现代题材优秀作品,展现我国南方戏曲深厚的文化底蕴、蓬勃的发展态势。

  今年10月举行的第十一届中国艺术节上,豫剧《焦裕禄》、评剧《母亲》、淮剧《小镇》、京剧《西安事变》等获第十五届文华大奖。学生演出团体打造的湘剧、歌仔戏、花灯戏等地方戏剧种,在今年11月举行的第五届中国校园戏剧节上,亦表现出色。

  竞相绽放

  第二届中国原创话剧邀请展、国家大剧院国际戏剧季、第五届全国少数民族文艺会演、中国艺术节,从3月到10月,各地方、各剧种的优秀剧目竞相上演,几乎覆盖一整年,无论戏曲,还是话剧、歌剧、舞剧,无论抒写传统文化,追溯近现代革命历程,还是观照当代社会现实,讲述中国故事、彰显中国精神是戏剧人的共同追求。

  中华优秀传统文化、革命文化和社会主义先进文化,共同构成了中华民族独特的精神标识。话剧《杜甫》《孔子》《样式雷》、歌剧《蔡文姬》《大汉苏武》、藏戏《松赞干布》、京剧《康熙大帝》等作品,以现代戏剧语言塑造历史人物形象、勾勒著名历史事件,重新捡拾、规整历史为人们留下的精神文化遗产。

  2016年是中国共产党成立95周年、中国工农红军长征胜利80周年,话剧《从湘江到遵义》《红岩魂》《中华士兵》《护国忠魂》《图云关》《祖传秘方》、歌剧《长征》《方志敏》《冰山上的来客》、舞剧《沙湾往事》《八女投江》、京剧《党的女儿》《江姐》等作品,述写革命历程各个阶段涌现出的英雄人物、英勇事迹,唤起中华民族共同历史记忆,以缅怀先烈、凝心聚力。

  话剧《兵者,国之大事》《麻醉师》《生命如歌》《大漠胡杨》《北梁人家》《秦岭深处》等作品,塑造了军事训练中勇于担当的军人、医疗现状下坚守使命的医者、为支援边疆奉献终生的兵团人、为城市建设默默付出的棚户人、在深山老林里研制先进武器的军工人,一系列作品记录社会变迁、剖析心灵选择,呈现为保家卫国、社会主义建设、人民生活幸福,各行各业不为人知的苦与乐。

  并蒂双生

  400多年前,中国明代戏曲家汤显祖和英国文艺复兴时期戏剧家莎士比亚,共同为世人留下了《牡丹亭》《罗密欧与朱丽叶》等戏剧经典。在比较文学研究领域,曾一度习惯将汤显祖称为东方莎士比亚,将《牡丹亭》比作中国的《罗密欧与朱丽叶》。2016年是汤翁与莎翁逝世400年,更加自信的中国戏剧人,在致敬大师、重述经典的同时,也尝试走出西方戏剧话语体系,在以西方语言思维命名的Chinese Opera中发出真正属于Xiqu的声音。

  3月27日世界戏剧日当天,亚洲传统戏剧论坛在广州举行。来自海峡两岸暨港澳地区和俄罗斯、意大利、瑞士、希腊、亚美尼亚、孟加拉、印度、印度尼西亚、伊朗、日本、韩国、马来西亚、蒙古国、尼泊尔、新加坡、塞浦路斯、斯里兰卡、越南等国的戏剧人共同欣赏了上海昆剧团艺术家和广州粤剧院艺术家带来的《牡丹亭》选段,以及由《麦克白》改编的昆曲《夫的人》选段和由《威尼斯商人》改编的粤剧《豪门千金》选段,并借此契机畅谈本国戏剧的传承发展和世界戏剧的未来可能。

  7月至9月,在国家大剧院,上海昆剧团、北方昆曲剧院、江苏省苏州昆剧院、江苏省演艺集团昆剧院的7台剧目将汤显祖的“临川四梦”《紫钗记》《牡丹亭》《南柯记》《邯郸记》全部搬上舞台。国家大剧院制作话剧《皆大欢喜》《仲夏夜之梦》《哈姆雷特》、歌剧《麦克白》,英国莎士比亚环球剧院在京上演的《威尼斯商人》、蒙特卡洛芭蕾舞团在京上演的《仲夏夜之梦》共同致敬中外两位戏剧巨擘。

  9月,在汤显祖的故乡江西抚州,纪念汤显祖、莎士比亚、塞万提斯逝世400周年系列活动举行,包括融入三位大师戏剧元素的巡演、“汤显祖纪念馆新馆开放仪式暨莎士比亚、塞万提斯展区开展仪式”“汤显祖国际高峰学术论坛”“第三届中国(抚州)汤显祖艺术节”等。

  10月举办的第四届乌镇戏剧节上,丹麦共和剧院的《哈姆雷特》、罗马尼亚锡比乌龚剧团的《暴风雨》、中国非空间视觉工作室的《李尔王》、中国香港爱丽丝剧场实验室的《哈姆雷特机器》作为特邀剧目登上“纪念莎翁”演出板块。

——沪剧《挑山女人》带来的启示

——记上海沪剧院现实主义创作实践

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  12月13日,首个南京大屠杀死难者国家公祭日。当晚,上海沪剧院新编沪剧《邓世昌》在上海天蟾逸夫舞台上演。全体观众起立,为南京大屠杀死难同胞默哀,向壮烈牺牲的民族英雄致敬。

沪剧《挑山女人》剧照 肖 一 摄

  发生在1894年的甲午战争,牵动着国人的无限殇思。120年前,北洋舰队致远舰管带邓世昌45岁。在那场大海战中,他指挥着受创弹尽的致远舰冲向了日军的吉野号,最终壮烈牺牲,长眠海底。又逢甲午,历史回放——以沪剧的形式。

  ◎ 《挑山女人》摒弃了当下流行时尚戏剧中那些附加的苍白的浮光掠影式的“好看”元素,它让戏剧回归到艺术本真的原点,使一个当代人去反复回味思考一些人生根本问题,是一部走情走心走人物的好戏。

  12月11日至13日,3场新编沪剧《邓世昌》演出,场场爆满,掌声雷动。舞台上,在致远舰即将撞沉的那一刻,许多观众紧攥着拳头站了起来,热泪盈眶。一位6岁的小朋友揪心地追问:“为什么不开炮?为什么没有炮弹了?”场面热烈感人。

  ◎ 上海市宝山沪剧团现有在编人员仅14人,就是这样一个连正式乐队都没有的区级小剧团,坚持三年连续出新戏、出好戏,以饱满的精气神、旺盛的创作力给全国处在生存困境中的地方剧团做了一个榜样。

  “我们为什么要在甲午年演出《邓世昌》?历史已经过去120年了,但今天这个戏,表达了中国人的爱国情怀,让我们震撼,感到灵魂受到了洗礼。当今时代,文艺有不可替代的作用。演这部戏,就是要告诉大家,不要忘记历史。不是为了延续仇恨,而是要尊重生命、呼唤和平。”演出结束后,上海沪剧院院长、在剧中饰演女主角的沪剧表演艺术家茅善玉说。

  演员流泪演,观众抹泪看,根据真人真事改编的现实题材沪剧《挑山女人》2月18日至19日首次进京,在国家大剧院的演出带给观众久违的感动,并以此为契机开启了2014年新一轮的巡演。自去年上演以来,来自基层的上海市宝山沪剧团的《挑山女人》已成为一种“文化现象”,以其极具感染力的演出被称为近年来“沪上最出色的舞台演出之一”,去年连获第十四届文华奖、第十三届中国戏剧节优秀剧目、剧作、导演、表演等大奖。

  呼应时代,观照现实,鲜明地标识了沪剧的剧种优势和特色。对于上海沪剧院来说,从《罗汉钱》到《星星之火》《芦荡火种》,从《心有泪千行》到《敦煌女儿》《邓世昌》,每一个历史的节点,都有剧目与之呼应,每一个热火朝天的生活图景,都有创作的脉动。

  既无曲折离奇的故事情节,又无缠绵悱恻的爱情故事,更无华美夺目的服装造型,全团仅有的14个演员全部登台,因条件限制没有自己的乐队,在国家大剧院戏剧场里演出也只能现场放录音配唱……但足足两个半小时,一口气演下来,竟然没有人提前离场,最后70多句的“赋子板”一曲终了,全场雷鸣般的掌声,台上台下均泪流满面。最难演的现实题材戏如何成为剧团的传家宝?《挑山女人》的编创演出经验确实可以给当下的戏剧创作提供值得思考的经验及启示。

  一条贯穿于剧院历史、贴近百姓生活的现实主义创作道路,清晰明确。

  小题材见大爱

  一个剧种承载一座城市

  “观众的反应震撼了我们”

  关注现实题材是沪剧的最大特色和优长

  《挑山女人》取材于一篇新闻报道《能挑起山的是母亲的肩》,这篇报道给上海市宝山沪剧团团长华雯很大的惊喜,甚至是震撼。

  沪剧,素来有“上海的声音”之誉。它源于吴淞江和黄浦江两岸的田头山歌和民间俚曲,从花鼓戏、本滩再到申曲,直到1941年上海沪剧社成立,才正式改称沪剧。

  上世纪80年代末,齐云山脚下的村庄里一个年轻漂亮的女人王美英生下了一个双目失明的残疾儿,不久又有了一对龙凤胎。谁知,两年后丈夫离世,婆婆怨恨媳妇克夫,便与他们母子四人断绝了来往。为了抚育三个孩子,她毅然选择了连男人都望而却步的工作——挑山。于是无论风雨、不计寒暑,女人每天挑着一二百斤的货物,数次往返于齐云山那3700级石阶上,整整17年,独行着抚养大三个孩子……编剧李莉写出了这样一个普通挑山女人的故事,并与导演孙虹江和华雯同登齐云山,三人均被汪美红(王美英原型)真实生活的状态深深感动着,在点燃创作激情的同时却又背负起另一座“山”。

  上海沪剧院位于徐汇区天平路38号,同时以淮海路1889号沪剧会馆为人所熟知。院子闹中取静,面向淮海路一侧的大门古香古色,并不常开。周围是紧贴街面的小洋楼,黑色的绕花铁门、落地橱窗,处处显得精打细算。2003年,上海沪剧院搬到了这里。

  “挑”这座“山”更难更难。生活中感人的人和事,搬到舞台上未必一定能打动人心,有时甚至不能令人信服,这样的例子并不少见。而如今挑剔的观众,会对一些英模题材或弘扬正气的原创现代戏有着天然的排斥感,怎么编?如何演?成为横亘在创作者面前难以翻越的一座大山。为此,华雯常常坐卧不安、夜不能寐,“汪美红的遭遇非常凄惨,但倘若一不小心,《挑山女人》里的王美英就会变成一个倒霉蛋、可怜虫;王美英的性格非常坚毅,可一旦处理不好,戏里的人物就会唱高调,令人生疑。”华雯认为《挑山女人》这出戏追求的是一种“悲而不惨、凄而不苦、苦而向上”的情感境界。

  “这里是上海沪剧的先辈图。近年来,上海进行戏剧志的修撰出版,沪剧是历代传承脉络保留得比较全面的。”上海沪剧院党总支书记金雪苓指着会馆展厅里陈列的图谱说。

  而从编剧角度,李莉创作之初便从未想过类似“精神”、“信仰”这类的理念,而是让人物用自己的实际行动去昭示,让观众在看的过程中去领悟。两个半小时的故事,观众看着王美英在山间、在小屋,进进出出忙里忙外,为她热泪盈眶,一颗心自始至终被她牵着揪着跳动着。有不少慕名而来的观众都深深“入戏”,勾起他们对儿时母爱的情感记忆和人生回味,同时也迫使他们重新思考这个时代利他和利己的精神困境,他们中有很多人都充满激情地给剧组写信阐发观感。这其中,还不乏“追剧”的热心观众,随着这部剧的江、浙、沪巡演一路跟随。而且有意思的是,看戏的观众中泪眼盈盈的男观众并不比女观众少……“与其说我们的戏感动了观众,还不如说观众的反应震撼了我们。”华雯说。

  新中国成立以前,沪剧专注于才子佳人题材的“西装旗袍戏”;新中国成立以后,在著名沪剧表演艺术家丁是娥等一代上海沪剧人的努力下,沪剧逐渐奠定了自己的风格。

  在上海市政府参事、著名文艺评论家毛时安看来,“《挑山女人》摒弃了当下流行时尚戏剧中那些附加的苍白的浮光掠影式的‘好看’元素,它让戏剧回归到艺术本真的原点,使一个当代人去反复回味思考一些人生根本问题,是一部走情走心走人物的好戏”。而就强化正面声音的影响力和引导力而言,这部作品紧扣时代主题,体现了面对困难的担当与坚守,倡导了感恩回报的大爱精神,弘扬了社会主义核心价值观。这也启示出,能真实表现平民百姓的喜怒哀乐、爱恨情仇的“接地气”的作品,才是广大观众真正欢迎的。

  会馆展厅里,陈列着一幅幅老剧照,还有泛黄的剧本、曲谱和说明书。丁是娥、石筱英、解洪元、邵滨孙、筱爱琴等一大批沪剧艺术前辈的舞台形象依然流光溢彩。60余年来,上海沪剧院创作、移植、整理的剧目多达560多出,多数为革命历史题材和现实题材。

  小剧团大志向

  特别是丁是娥主演的《罗汉钱》和《芦荡火种》,前者呼应时代命题,后者讲述抗日战争时期地下党和群众为掩护新四军伤病员与敌顽展开巧妙斗争的故事,后来成为京剧《沙家浜》的创作模板。一系列坚实的创作实践,有反映现实的时代潮声,有对革命历史传统的回望,为沪剧乃至戏曲的现代戏创作积累了宝贵的经验,为戏曲的现实题材创作提供了丰富案例。 

  “以极大的热情找‘活水’”

  这些创作,无不蕴涵着对历史和现实的使命感,也带着浓厚的上海地域文化特色。《星星之火》以上海五卅运动为背景,塑造了一个农村妇女杨桂英在女儿被折磨致死后,在党的教育下走上革命道路的形象。《红灯记》讲述的是地下党员李玉和与母亲为革命英勇牺牲,女儿李铁梅继承遗志,高举红灯把电台密码交给抗日游击队的故事。《一个明星的遭遇》讲述了上个世纪30年代电影明星周璇的坎坷经历,记述了党组织和新中国对她的关心与爱护。

  “娘啊——莫说还,莫道歉,恩怨相交十七年,曾经恨、曾经怨,曾经在丈夫坟前泪哭干。想过逃,想过死,想过改嫁另将丈夫选,抛不下呀,抛不下,三个幼儿将我牵……回首往事无怨悔,一生辛苦已化甘甜。”苦戏更重唱,华雯在《挑山女人》中巧妙运用了很多杨派唱腔,而脍炙人口的“杨派”艺术正是上海市宝山沪剧团的一面旗帜。上海市宝山沪剧团(上海宝山沪剧艺术传承中心),是上海乃至长三角地区建团最早的专业沪剧团之一,至今已有60多年的历史。它的前身是沪剧传承人、“杨派”创始人——杨飞飞领衔的勤艺沪剧团。“杨派”唱腔在沪剧观众中的影响较大,极受欢迎。“但是,当代的《挑山女人》毕竟不同于经典沪剧《为奴隶的母亲》。在这出戏里,杨派唱腔在传承中得到发展。华雯是‘出新花旦’,她可以根据自己的嗓音条件,将杨飞飞的哀怨缠绵、委婉悲切的唱腔,根据剧目需要演化成柔和中有高亢、迂回中显亮丽的杨派新腔,并融入越剧袁派和吕派唱腔的某些韵味。”上海戏剧学院原党委书记、教授戴平对华雯的表演艺术这样评价道。

  “沪剧是一个新剧种,时间不长,因此受到的束缚也比较少,自由度很高,因此胆子大,敢于想象,什么题材都敢演。”茅善玉告诉记者,沪剧也演传统戏,比如《杨乃武与小白菜》《阿必大回娘家》等,很有上海的地方特色,是打基础的传统剧目,但沪剧比较关注现实题材,“也可以说,这是沪剧的立命之本,是最大的特色和优长”。

  在中国数以百计的戏曲剧种中,沪剧是一个年轻的剧种,它出自农村,但很短时间就进入了中国第一大城市——上海。沪剧的历史短、传统弱,接受外来艺术因素快而且多。华雯谈到,“沪剧也演过古装戏,但因缺乏功底演不过京剧等剧种,从自觉或不自觉的选择过程中,沪剧逐渐形成了以演现代戏为主的特色,成为全国众多剧种中最接近生活原生态的戏曲剧种之一。其中最突出的表现,就是其他剧种很少演出的西装旗袍戏,也就是城市时装戏,沪剧对此极为擅长。能演西装旗袍戏,自然也就能更加自如地演绎工、农、兵等各类当代人物。”在上世纪五六十年代,沪剧的现代戏创作在全国也是走在前列的,沪剧《红灯记》《芦荡火种》《罗汉钱》等都成了全国很多兄弟剧种移植的经典剧目。

  “一个剧种可以承载一座城市的历史,凝聚一个时代的风云。”中国文艺评论家协会副主席毛时安说。沪剧之于上海,就是如此。很显然,上海沪剧院很早就找到了自己的创作方向——走现实主义道路,呼应时代,关注现实,反映老百姓的生活,传达老百姓的声音。

  但是改革开放后,戏曲的现代戏创作与飞速发展的生活产生了很大脱节,也使得很多剧团都视现代戏为畏途,现代戏成了“难啃的骨头”。上世纪80年代上演的《东方女性》曾使得领衔主演华雯荣获第四届中国戏剧“梅花奖”,此后一系列原创现实题材现代戏《罪女泪》《东方彩虹》《红叶魂》《红梅颂》等剧目,形成了宝山沪剧团的演出特色。“我们始终是以极大的热情找‘活水’,以极大的热情颂扬今天的‘最美’人物。现代戏因为人物、题材的接近性,一旦突破就更能引发观众强烈的情感共鸣,这也正是我们创作的现代戏能一部接一部深受观众喜爱的重要原因。”华雯说。

  与时代同步发出“上海的声音”

奥门新萄京网址:2016中国戏剧,回到艺术本真的原点。  上海市宝山沪剧团现有在编人员仅14人,就是这样一个连正式乐队都没有的区级小剧团,坚持三年连续出新戏、出好戏,以饱满的精气神、旺盛的创作力给处在生存困境中的地方剧团做了一个榜样。近年来,上海努力涵养地方戏曲,以政府购买服务的方式,传承传统艺术,接轨现代生活,努力蹚出一条地方戏发展的路径——利用公益平台滋养戏曲,利用原创剧目反映生活。政府扶持,旨在帮助更多剧团创排好戏,而剧团所履行的义务,便是一场场深入基层且动情感人的精彩演出。

  每一个重要的历史节点都有一部沪剧与之呼应

  “一般的,人们会以为沪剧的老传统是小儿小女小情调,但不是的,沪剧的题材比较广,表现手段也比较自由,关键是要符合人物的性格,符合时代的需要。所以沪剧的一个很重要的命题,就是要如何创新,如何与时代同步。”茅善玉说。

  在传统戏曲中,像沪剧这样紧跟时代步伐的地方戏确实罕见——

  1950年,新中国颁布实施第一部《婚姻法》。不久,根据赵树理小说《登记》改编的沪剧《罗汉钱》由上海沪剧院的前身上海人民沪剧团推出。剧目讲述了饱受旧式婚姻痛苦的农村妇女小飞娥支持女儿自主婚姻选择的故事,通过两代人不同的爱情遭遇,揭露了旧社会对妇女的残酷摧残,讴歌了新社会妇女的翻身解放。

  1958年,沪剧《战士在故乡》在上海大众剧院首演。剧目以农村合作化为背景,讲述了特等伤残军人张伟明转业回乡担任党总支书记、与反革命分子展开斗争的故事。1963年,沪剧《八连之风》表现了“南京路上好八连”的事迹;2013年,为配合党的群众路线教育实践活动,《霓虹灯下的哨兵》经过新的编排再度上演。

  1983年,沪剧《姊妹俩》描写了在改革开放新时期,当代青年对生活、理想和爱情的不同观念与追求,成功塑造了一个心地纯真、情操高尚的将军女儿形象,深受观众喜爱。在1984年举办的全国现代戏观摩演出中,该剧一举荣获导演、主演等多个一等奖。茅善玉也因此剧获得了第二届中国戏剧梅花奖。此后的《牛仔女》《风雨同龄人》等都以改革开放为广阔背景,反映了新时代不同年龄、经历的人们在时代大潮下的人生选择和价值追求。

  1993年,上海地铁1号线南段开通。1994年,由余雍和、赵化南编剧,茅善玉主演的沪剧《今日梦圆》首演,热情讴歌了地铁建设者的火热情怀和忘我精神,生动反映了改革开放以来上海城市风貌的巨大变化。1995年,该剧获得了1994年度的“五个一工程”奖。

  2001年,在世界禁毒日到来之际,反映禁毒主题的沪剧《心有泪千行》在上海天蟾逸夫舞台演出。此后每年6月世界禁毒日到来时,上海沪剧院都会推出该剧,至今已演出1000多场。茅善玉告诉记者,联合国前秘书长安南曾经给上海沪剧院写过一封信,信中说,中国我了解,上海我也了解,但沪剧什么样子,我并不了解。没想到上海有这么一个剧团,长年累月地坚持宣传禁毒、反毒,让我十分敬佩。希望你们能够坚持,因为这是一个全人类的主题。

  2010年,上海世博会举办。1915年曾参加过巴拿马世博会的上海顾绣被纳入沪剧人的视野,随后上海沪剧院推出了反映顾绣文化的沪剧《露香女》。该剧以在巴拿马万国博览会获得金奖的上海松江地区顾绣艺人的艺术追求和爱情故事为切入口,以上海本土的戏曲艺术,演绎发生在上海的故事,紧扣世博会主题,展示了上海近百年前的风情、风貌。

  2011年,正值辛亥革命百年,上海沪剧院推出了同类题材剧目《董梅卿》。2013年,以扎根敦煌50年的敦煌研究院院长樊锦诗为原型创作的大型现代沪剧《敦煌女儿》在上海天蟾逸夫舞台公演,讲述了一代知识分子保护、研究和弘扬敦煌文化的感人故事。

  “沪剧回娘家”薪火相传

  广阔而火热的社会生活为沪剧提供了不竭的艺术源泉

  由于京剧固有的表演程式,《芦荡火种》被搬上京剧舞台后,一些京剧演员开始不知道怎么演。2013年,京剧表演艺术家赵燕侠跟茅善玉说到这件事时,十分感慨。茅善玉回忆说:“当时她跟我说,开始演阿庆嫂时,她根本没当一回事,觉得京剧是老大哥,但是排下来时,她找不到感觉,找不到人物,不知道阿庆嫂是怎么生活、怎么跟人讲话的。后来有人跟她说,你应该去看一看丁是娥的阿庆嫂,你向她去学。于是她便看了丁是娥的《芦荡火种》,看完后她折服了,说这就是阿庆嫂。为什么?因为丁是娥有生活,她是来源于生活的。”

  来源于生活,深深地扎根生活,正是沪剧创作不断取得丰收、获得成功的重要经验。《芦荡火种》源于江苏常熟的一封来信,信上说抗战时期当地有群众救助了新四军伤病员。艺术家们当即赶赴当地采风,随后创作了这部作品。《鸡毛飞上天》则取材于发生在上海的真实故事,讲的是上个世纪60年代,一位妇女林佩芬发现在很多家庭里,大人工作特别忙,孩子没人管,觉得应该走出家庭,负起责来,于是办了民办小学。为了演好《巧遇记》中的三轮车夫,沪剧表演艺术家邵滨孙与一位劳模结成了很好的朋友,向他学习如何蹬三轮车、如何戴草帽。

  上海郊区的田间地头、工厂学校,是沪剧的大后方,也被沪剧人称之为“娘家”。从1982年到1992年,在老院长丁是娥的倡导下,上海沪剧院持续开展了10届“沪剧回娘家”活动,老中青演员一起参加演出,一个都不能少。白天分成小分队,到群众中间去唱,辅导沪剧爱好者;晚上就演沪剧大戏,专演老百姓爱听的。茅善玉回忆,1992年,丁是娥已经患上了癌症,寒冬腊月,依然坚持“回娘家”,一路捂着热水袋,到了演出现场,一扔热水袋便又上场了。回到市区,已是半夜,“她那摇摇欲坠的背影,我至今记得”。

  2013年,借建院60周年的契机,上海沪剧院宣布,恢复开展“沪剧回娘家”活动。送戏下乡、进校园,推进沪剧传承,培育新的观众——近年来,上海沪剧院始终是市属国有院团中每年超额完成下乡演出指标最多的院团。12月16日晚,茅善玉才刚刚参加了虹口区提篮桥街道举办的群众文艺演出活动,并在其中演唱了沪剧《敦煌女儿》中那首脍炙人口的《守望理想》。实际上,包括《敦煌女儿》《邓世昌》等剧目,也是主创们深入生活的成果。

  为了创作《敦煌女儿》,茅善玉和她的团队先后于2011年、2012年两次来到敦煌,采访故事的原型樊锦诗。第一次到达那里,就遇到了沙尘暴。编剧李颖还专门在那里住了几个月,跟樊锦诗一起生活,一起工作。她说:“樊院长是一个典型的上海知识女性,人很娇小,说话声音也不高。到了那里,看到满目的荒凉冷清,加上不时来袭的沙尘暴,真的很难想象,她一个出生于江南的女子,能够在那里一扎根就是50年。她平时说话不多,但一说起敦煌,对着书册一页一页地给我讲解,那种虔诚、热忱,让我肃然起敬。”

  为了创作《邓世昌》,编剧蒋东敏专门去了一趟刘公岛,了解当年北洋水师驻泊地的情况,追忆那段历史。为了排演这部戏,今年夏天,上海沪剧院还组织该剧主创一行30余人到上海水警区某部,与战士们同吃同住,接受严格的包括队列、打绳结、游泳、损管等科目训练。

  前进的路上回头看一看

  创新机制,建设梯队,坚定现实主义的创作方向

  在最鼎盛的时期,上海沪剧院300多人,光编剧就有16人,并有导演10人,作曲8人。除了深入生活,和艺术家自身的敏感,这无疑给他们对现实生活迅速做出反应提供了助力。上个世纪90年代以来,随着大环境的变化,戏曲在走下坡路,沪剧也不例外。

  茅善玉一度曾为此焦虑不已:“年轻人不愿意来,人才队伍逐渐萎缩。沪剧永远在创新,如果没有年轻演员带来新的演剧方式,就很难带动年轻的观众。”上海沪剧院曾派人到各区县去选招人才,有的地方学校里有沪剧兴趣班,有的地方没有,就常常吃闭门羹。为了培养、引进和储备人才,经过向有关方面争取,茅善玉获得了免学费招生的机会,并获许可以异地招生。为解决学生的后顾之忧,茅善玉更大胆地实行了“定向培养,照单全收”的做法。

  对于此举,有人曾表示不解,因为演员的培养过程中,可变因素太多,最后并非人人都能成才。茅善玉说:“没关系,你唱得不行了,我可以进行内部调配,表演不行,还可以去学作曲,包括场记、剧务,我们都是要有的。”一个原本学表演的演员,后来个子没长起来,上海沪剧院把他调配去学作曲,因为有表演的底子,如今在配器和唱腔设计上已担起了重任。

  2006年起,上海沪剧院与上海戏剧学院附属戏曲学校先后联合招收了两届近60位沪剧表演班学生,并于2011年在首批毕业学生基础上成立了上海沪剧院青年团。几年来,青年团排演了《胡锦初借妻》《大雷雨》《陆雅臣卖娘子》《庵堂相会》《红灯记》《魂断蓝桥》等大量的全本传统和新编大戏。1995年出生的洪豆豆,被人昵称为“小四凤”,并摘得上海白玉兰戏剧表演新人配角奖。如今,上海沪剧院不仅有了60后、70后、80后、90后几个梯队的演员队伍,而且也有了不弱的编剧和作曲阵容,为沪剧的创新发展打下了坚实基础。

  新移民的涌入,流动人口的增加,普通话的推广,让沪剧赖以生存的上海方言土壤逐渐流失。除了培养、引进、储备人才,上海沪剧院还自觉承担起了传承、推广上海方言和地域文化的责任。在仅160平方米的沪剧会馆展厅一侧,墙上还挂着“沪语训练营”的条幅。从今年6月开始的训练营活动,目的就是要通过强化训练,传承和推广上海方言。

  当许多传统戏曲面临着继承与创新的困惑之时,一直与时代同步的沪剧并没有太多压力。茅善玉坦言,因为剧种新,反而是在方向的选择上有过迷茫,不知道怎么凝实、彰显自己的剧种特色。好在经过几代人的发展,沪剧已经形成了自己的风格,走出了一条有沪剧特色的现实主义发展道路。她说:“跟写意的、虚拟化的京昆相比,我们更加真实自然。比如演一位贵夫人,手拿着扇子,她要坐下来,一定是手一撩旗袍,然后坐下来。坐姿是拿手绢或扇子,是有舞台腔的,它不是生活,而是源于生活又高于生活,是个性化的动作。”

  茅善玉告诉记者,不管怎么样,传统的戏需要学,是基本功,要了解,演的时候,让导演来修饰,去掉一些旧的、糟粕的东西;另外一条就是关注当下,创作新戏,走出新意和新路。她说:“前进的路上要有反思,要回头看一看。对于我们青年团来说,6部大戏排好了,要回头看,我们明年给他们定的任务,就是传承、学习。老师们都六七十岁了,所以要他们停下来学习,所有流派都要学习,从运腔技巧到艺术理论、戏剧史再到职业道德教育等。”

  在沪剧的传承发展过程中,上海沪剧院始终用自己坚实的创作实践,积淀起紧跟时代的现实主义传统。未来,路在脚下。

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